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Notes vagabondes - Page 5

  • Michael Alizon : Expanding Universe Quintet

    expanding-universe-quintet-michael-alizon.jpgDu côté de chez Citizen Jazz, publication de Expanding Universe Quintet, le nouveau disque du saxophoniste Michael Alizon, bien entouré de Benjamin Moussay, Jozef Dumoulin, Jean-Charles Richard et Franck Vaillant.
    « Le quintet explore dans un grand souffle cuivré, avance avec élégance et même une certaine majesté sur un chemin qui le conduit à l’éclosion d’une lumière tant désirée ».

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  • Grâce au vent léger d’été qui passe…

    grateful dead, american beauty50 ans… Voilà un demi-siècle jour pour jour que le Grateful Dead a offert son American Beauty à tous les Dead Heads, soit le cinquième de ses treize albums studio, dont on sait aujourd’hui qu’il ne flétrira jamais, à instar de la rose au rouge profond qui orne sa pochette et dont bon nombre d’entre nous n’en finissent plus de sonder les mystères. Ce jour-là donc, le 1er novembre 1970, j’étais en classe de 4e et je dois bien reconnaître que je ne sais même pas si à ce moment précis je savais l’existence de ce groupe californien dont la musique s’emparerait de moi un an plus tard environ pour ne plus me lâcher, quand les premières mesures de « Big Railroad Blues », un titre de l’album Skull & Roses (qu’on n’appelait pas encore ainsi, il n'avait pas de titre) avaient résonné au cœur de ma chambre d’adolescent. J’écoutais en effet l’émission quotidienne animée par Jean-Bernard Hébey sur RTL et un beau soir, cet extrait fut l’un de ses choix. Et puis, il y avait eu aussi une chronique élogieuse dans le journal Best (sous la plume de Sacha Reins, me semble-t-il), fort bien écrite et passionnée, une véritable mise en bouche, une puissante incitation à aller voir de plus près de quoi il retournait. Ce double coup de semonce aboutirait inéluctablement à un achat prélude à beaucoup d’autres, à la fin du mois de janvier 1972. Tout cela était l’amorce d’une année des plus fiévreuses, placée sous le signe de la bande à Jerry Garcia. Elle culminerait avec l’acquisition de Europe ’72 au mois de décembre. J’ai relaté les points marquants de cette aventure personnelle et parfois cocasse dans un texte curieusement nommé « La stratégie de l’arbre à disques ».

    En 1972 donc, je suis parvenu à me procurer toute la discographie du Dead. Pas si simple au temps où Internet n’existait pas, où la patience était notre seule alliée possible, dans une ville meusienne modérément achalandée en musique et quand on ne disposait comme c’était mon cas que de très modestes émoluments appelés « argent de poche ». Mais à force d’économies et de ténacité, de ruse aussi, tout y était passé, y compris les premiers albums solo de Jerry Garcia et Bob Weir. Ce fut une immense découverte, en particulier celle des folies psychédéliques (Anthem Of The Sun, Aoxomoxoa, Live Dead) et d’un univers que jamais ma courte vie d’ex-enfant n’aurait pu soupçonner.

    Revenons à American Beauty. Le samedi 19 août 1972, à la faveur d’un séjour chez ma sœur en région parisienne, j’eus la chance d’une rapide virée dans la capitale, propice à quelques emplettes tournant à la vitesse de trente-trois tours par minute. Une en particulier, celle d’un disque qui bruissait à mes oreilles de mille commentaires flatteurs : le plus beau du Grateful Dead disait-on, une merveille d’harmonies vocales, enluminées par de magnifiques textes signés Robert Hunter, le parolier attitré du groupe, un grand bain de lumière en deux fois vingt minutes. Gibert Jeune ? Fnac ? Impossible de me souvenir précisément du lieu de mon achat mais… une fois entré dans le magasin, je ne mis que quelques secondes à trouver le rayon idoine avant de prendre en main l’objet et décider derechef qu’il serait mien.

    Je n’oublierai jamais. Le retour à Saint-Germain en Laye. L’électrophone stéréo emprunté à ma sœur. Le grand matelas gonflable qui me servait de lit. Allongé sur le ventre. Quatorze ans et nigaud comme on sait l’être à cet âge. Les deux haut-parleurs posés à même le sol. Ma tête placée à mi-distance pour une restitution sonore la plus exacte possible. Les yeux fermés. Le chant des guitares. La voix de Phil Lesh et « Box Of Rain ». Une suite enchantée. « Friend Of The Devil », « Sugar Magnolia », « Operator », « Candyman », « Ripple », « Brokedown Palace », « Till The Morning Comes », « Attics Of My Life », « Truckin’ »… Je m’en rends compte aujourd’hui : par-delà tout ce que j’avais déjà eu le privilège de découvrir grâce à la bienveillance de mon frère – mon grand initiateur – ce disque-là fut un choc, un émerveillement pour toujours. Sans doute le plus fort avant que ma route croise celle de Christian Vander et plus tard celle de John Coltrane. Au point que j’éprouve les plus grandes difficultés à en parler, aujourd’hui encore. Je me rappelle qu’American Beauty m’était apparu d’emblée très différent de ses prédécesseurs, plus acoustique, très épuré, bien que Workingman’s Dead, sorti en juin 1970, eût lui-même marqué un virage important dont on pouvait imaginer qu’il annonçait la fin d’une certaine démesure psychotrope et embarquait le groupe vers les rivages d’une musique plus cadrée, alliant blues, folk, bluegrass, rock et cet autre quelque chose indicible qui en faisait la singularité. Il faudrait décrire ici en détail le parcours de chacun des musiciens pour comprendre que leur union ne pouvait qu’aboutir à un idiome qui serait celui du Grateful Dead et rien que le sien. Unique en son genre. Et puis, ne me demandez pas pourquoi, j’ai toujours eu le sentiment que le groupe s’adressait à moi. En toute confidence, en toute confiance. Comme un autre grand frère.

    Le Grateful Dead ou la communion télépathique entre une guitare cristalline « chantée » par Jerry Garcia et les zébrures nerveuses, plus rock, de la guitare rythmique tenue par Bob Weir. La basse mélodique, discrètement saturée et toujours chantante de Phil Lesh, racontant son histoire propre et nourri de musiques contemporaines. Le drumming léger de Bill Kreutzmann, aux antipodes de la frappe sourde et lourde des héros du rock tels qu’ils s’illustrait, chabada vs tchac poum poum... Les indispensables nuances bluesy de l’orgue de Ron McKernan et son harmonica essoufflé qui allait trop vite nous manquer, autant que sa voix brûlée par le tabac et l’alcool. Et puis une entente vocale frisant la perfection, des textes poétiques aux contours énigmatiques. Sans oublier la vie du groupe et ses péripéties racontées dans la composition finale. Aucune d’entre elles n’est faible d’ailleurs, il faut vraiment le souligner. Chacune raconte une histoire et met en valeur le collectif comme les personnalités. Quelques amis sont venus aussi pour donner un coup de main et participer à cette histoire unique. Il s’est passé quelque chose qui ressemble à un petit miracle, un alignement des planètes… Portez cette musique vers la lumière et observez-là comme vous le feriez d’une pierre précieuse traversée par les éclats du soleil : vous ne lui trouverez pas le moindre défaut.

    Voilà ce qui me vient en premier à l’esprit quand je pense à ce disque unique qui vit mes côtés aujourd’hui comme en ce 19 août 1972. Je l’ai acheté à plusieurs reprises, m’en procurant la version CD dans le coffret The Golden Road, puis à nouveau en vinyle après que j’avais offert mon exemplaire original à ma fille. On ne se rend pas compte de ce que l’on fait, parfois, quand on est père… Et aujourd’hui dans une version augmentée à l’occasion du cinquantième anniversaire de sa sortie. On peut se régaler en effet d’un concert inédit enregistré le 18 février 1971 au Capitol Theatre à Port Chester, NY, selon un principe appliqué à l’occasion de la récente réédition de Workingman’s Dead.

    Non, vraiment, je ne sais pas en parler. Les bons mots ne viennent pas. Trop d’émotion. Peut-être aussi que la tentation nostalgique, amplifiée par les moments sidérants que nous vivons tous, me conduit plus que jamais vers cet album sans égal, dont le titre peut par ailleurs se comprendre aussi comme American Reality du fait d’un graphisme subtil qui offre une double lecture. Je suis en quelque sorte victime d'une forme douce de mutisme de l’admiration. La poésie et la beauté contre la froideur glaciale de notre monde. « Listen to the river sing sweet songs to rock my soul ».

    American Beauty est toujours près de moi, je l’écoute à intervalles réguliers, souvent. Il est sans nul doute le disque que j’ai le plus écouté dans ma vie. Je pourrais presque le chanter de mémoire de la première à la dernière note – j’exagère un peu mais pas tant que ça – au point qu’il ne m’est pas nécessaire de l’extraire de sa pochette et de le poser sur la platine pour l’écouter.

    American Beauty a 50 ans aujourd’hui. Je n’ai pas vu le temps s’écouler. Voilà près d'un demi-siècle que je me laisse porter par ce vent léger d’été qui passe et adoucit ma vie.

    « Fare you well my honey
    Fare you well my only true one
    All the birds that were singing
    Have flown except you alone

    Going to leave this broke-down palace
    On my hands and my knees I will roll, roll, roll
    Make myself a bed by the waterside
    In my time, in my time, I will roll, roll, roll

    In a bed, in a bed
    By the waterside I will lay my head
    Listen to the river sing sweet songs
    To rock my soul

    River gonna take me
    Sing me sweet and sleepy
    Sing me sweet and sleepy
    All the way back back home
    It's a far gone lullaby
    Sung many years ago
    Mama, mama, many worlds I've come
    Since I first left home

    Going home, going home
    By the waterside I will rest my bones
    Listen to the river sing sweet songs
    To rock my soul

    Going to plant a weeping willow
    On the banks green edge it will grow, grow, grow
    Sing a lullaby beside the water
    Lovers come and go, the river roll, roll, roll

    Fare you well, fare you well
    I love you more than words can tell
    Listen to the river sing sweet songs
    To rock my soul »

  • Éric Brochard – Fabrice Favriou : Derviche

    eric brochard,fabrice favriou,dervicheUne fois encore, l’ami Stéphane Berland nous gâte. Il ne m’en voudra pas, je l’espère, d’avoir attendu près de deux mois pour évoquer cet obscur objet du Derviche servi par un duo pratiquant l’embrasement avec méthode et détermination. Car la référence numéro 165 de son label Ayler Records est rien moins qu’un incendie rock, dont les deux pyromanes ont pour nom Éric Brochard (basse piccolo, voix) et Fabrice Favriou (batterie). De ces deux musiciens, je ne connaissais rien mais leur album aux couleurs sombres m’a toutefois fourni quelques indications quant à leur volonté d’inscrire la musique qui les obsède dans l’état d’urgence d’un monde en prise avec ses démons. Les nôtres, le leur. C’est sans doute la raison pour laquelle on se trouve vite happé dans une étrange résonance avec notre propre incertitude (mais aussi nos angoisses) dès lors que les motifs dessinés par la basse piccolo (qui est, je le précise, une basse électrique réglée une octave plus élevée que l'accordage conventionnel) viennent enfoncer un coin abrasif dans le silence inquiet de nos émotions. Soudain, plus rien ne bouge autour de nous, à l’exception de cette drôle de machine qui semble avancer sur nous en décrivant d’implacables cercles concentriques. Curieusement, on se laisse faire…

    Parce qu’on n’écoute pas Derviche, on le prend comme un coup de poing à l’estomac qui vous coupe le souffle, mais sans violence superflue. On ne l'explique pas non plus. C’est un choc électrique, d’une vraie beauté et d’une élégance formelle indéniable. Le son est brut, rauque et puissant mais toujours majestueux. N’attendez toutefois aucune fioriture, ni même aucune instrumentation décorative, histoire de faire joli ou mélodique. Ici ce sont des riffs répétés à l’envie, portés par une pulsion lourde, dans un processus d’élévation vers une forme d’ivresse des cimes (ou des profondeurs ?). On pourrait parfois croiser cet univers métallique avec celui, tout aussi âpre, qu’a su construire Richard Pinhas, musicien de la « dévolution ». Les titres eux-mêmes, nommés « Séquences » et numérotés de 1 à 5, ne veulent exprimer rien d’autre que la nécessité de creuser plus profond un sillon hypnotique, sans détour par une explication dont nul n’a besoin. Peut-être faut-il considérer ce disque comme une expérience, une sorte de happening sonore dont on ressort un peu hagard mais habité par l’idée qu’il reste ici-bas quelques indispensables lanceurs d’alerte. Éric Brochard et Fabrice Favriou sont sans doute de ceux-là, qui résistent à la tentation du dos courbé.

    Ce voyage-là, même s’il a des airs d’inconnu parfois, mérite bien qu’on prépare quelques affaires dans un sac et qu’on suive sa route, aussi brûlante soit-elle. On part faire un tour, ou deux, ou trois... ou plus encore !

    Pour conclure, je ne résiste pas au plaisir de citer Jean Rochard, le patron des disques Nato, qui à n’en pas douter dit toutes ces choses-là beaucoup mieux que je ne saurais le faire : « L’œil regardait encore si l’on pouvait danser en tournant, tournant, tournant à en perdre le contrôle partial pour retrouver nos sens. Enfin. Et l’on ne pourrait trouver les mots justes tant le sentiment est urgent. Éric Brochard et Fabrice Favriou (respectivement basse piccolo, voix et batterie), eux trouvent la musique juste. Ils viennent de publier, sur l’excellente étiquette Ayler Records, l’entêtant Derviche, parfaitement synchrone avec nos urgences d’époque. L’œil écoute : If you want to be experienced ? »

    Musiciens : Éric Brochard (basse piccolo, voix) ;  Fabrice Favriou (batterie).

    Titres : Séquence I / Séquence II / Séquence III / Séquence IV / Séquence V.

  • « My Favorite Things », il y a 60 ans…

    john coltraneLe 21 octobre 1960, John Coltrane (saxophone), McCoy Tyner (piano), Steve Davis (contrebasse) et Elvin Jones (batterie) investissaient les studios Atlantic de New York pour une séance d'enregistrement que l’histoire du jazz retiendra comme l’une de ses grandes pages.

    Ce jour-là en effet, les quatre musiciens – qui ne constituaient pas encore le « quartet classique » du saxophoniste puisque le contrebassiste Jimmy Garrison ne l’intégrera qu’en novembre 1961 – mirent en boîte deux versions de « Village Blues », dont l'une a été publiée sur Coltrane Jazz en 1961 ; une de « Equinox » et de « The Night Has A Thousand Eyes », ces deux dernières n'étant  finalement pas conservées. Mais surtout, c'est au cours de cette session que fut gravée une reprise enchantée de « My Favorite Things », qui verra le jour l'année suivante sur l'album homonyme.

    Jusqu’à sa mort en juillet 1967, John Coltrane ne cessera de modeler et remodeler, au fil des concerts, son interprétation d’une composition que beaucoup ont pu croire sienne tant il se l’était appropriée, au point parfois d’en donner des versions de près d’une heure (ainsi au Japon en juillet 1966). Cette longue reprise initiale (13'43") d'une chanson tirée de la comédie musicale The Sound of Music s’avérera ma vraie grande porte d'entrée dans l'univers du jazz. Je me souviens encore de cette fin d'après-midi du lundi 9 septembre 1985 – jour anniversaire de mon frère aîné qui m’a tant appris en musique, il ne saurait y avoir de hasard – lorsque je m'étais finalement décidé à acheter ce 33 tours qui allait tout changer. Ce disque, on peut dire que je lui avais tourné autour pendant de très longs mois, voire des années. Il aura fallu l’indigence musicale des années 80 et l’ennui profond qui en découlait pour que je me décide enfin à « écouter en arrière » et me lancer dans la grande aventure Coltrane, ce musicien étrange dont Christian Vander parlait sans cesse avec amour et passion et dont je lisais les interviews depuis plus de 10 ans. À cette époque, Magma était en sommeil et j’entendais parler d’une nouvelle formation dont je comprendrais plus tard la signification du nom, Offering.

    John Coltrane. Mais qui donc était-il, ce magicien ? Le saurai-je un jour ?

    Le saxophoniste, je dois bien le dire, a complètement bouleversé ma perception de l’écoute, rien n'a plus été pareil dès lors que sa musique est entrée dans ma tête. Elle ne m’a plus jamais quitté, surgissant par vagues à intervalles réguliers. Coltrane a fonctionné comme une formidable machine à faire le tri entre l’essentiel et le reste ! À partir de ce jour du premier disque, j'ai dépensé sans compter (enfin, si, quand même un peu…) pour me procurer tous ses albums ou presque. Aujourd’hui encore, j’ajoute des pièces à ma collection, tel cet enregistrement du concert à l’Olympia le 17 novembre 1962 qui vient de paraître chez Frémeaux & Associés. Jour après jour, il m’a fallu comprendre la chronologie de sa discographie (je ne remercierai jamais assez François-René Simon de Jazz Magazine qui m’avait envoyé une longue lettre manuscrite après que j’avais écrit à la rédaction du journal pour tenter de défricher ce mystérieux univers, et qui fut en quelque sorte mon sésame) que je me suis efforcé de respecter au mieux afin de percevoir comme « en direct » l’évolution artistique et surtout humaine de John Coltrane. En passant par ses collaborations multiples dont celles, majeures, avec Miles Davis et Thelonious Monk dans les années 50. Jusqu’au cri final, jusqu’au mysticisme et à la démesure d’une quête par laquelle le saxophoniste voulait parler à tous les humains et leur faire ce qu’on peut considérer comme une offrande. Certains ont parlé de free jazz pour qualifier son travail des années 65 à 67, je n’ai rien entendu de tel en ce qui me concerne. Mais ceci est une autre histoire dont je laisse aux exégètes le soin de procéder au décryptage.

    Nous sommes le 21 octobre 2020, soit 60 ans, jour pour jour, après cette fabuleuse session d’enregistrement. C’est donc le moment idéal pour plonger une fois encore dans la version hypnotique de « My Favorite Things » que nous offre John Coltrane. Laissez-vous emporter dans sa valse entêtante illuminée par le saxophone soprano et le piano qui chante à la façon d’un carillon. On peut y revenir, encore et encore, la magie opère à chaque fois.

    Merci John !

  • Nancy Jazz Pulsations 2020, édition Collector

    nancy jazz pulsations

    Et voilà, c'est le clap de fin pour NJP 2020. Retrouvez ici mes « Échos masqués », ces huit chroniques écrites pour le magazine Citizen Jazz tout au long de l'édition dite « Collector » du festival Nancy Jazz Pulsations. Une année 2020 décidément particulière dans un contexte sanitaire qui a rendu très compliquée la tâche des organisateurs de cette manifestation emblématique de la vie culturelle en Lorraine. Coup de chapeau donc à Thibaud Rolland et toute son équipe, et bonne lecture !

    Et rendez-vous du 2 au 16 octobre 2021 pour la prochaine édition qu'on espère plus apaisée qu'en 2020. Croisons les doigts...

    Jeudi 8 octobre : Deux versions du jazz selon le Grand Bazardier et Léon Phal

    Vendredi 9 octobre : Biréli Lagrène & Sylvain Luc : il pleut des cordes 

    Lundi 12 octobre : Laurent Bardainne : Y a de l'amour dans l'air !

    Mardi 13 octobre : Laurent Coulondre ou l'esprit de Michel

    Mercredi 14 octobre : Florian Pellissier a fait un rêve

    Jeudi 15 octobre : Avec Sélène Saint-Aimé, on a marché sur la lune

    Vendredi 16 octobre : Le temps fou de Jonathan Jurion

    Samedi 17 octobre : L'hymne à la joie de Sophie Alour

    Un grand merci pour leurs contributions photographiques à Jacky Joannès, Philippe Leher, Jean-Luc Karcher et Nancy Jazz Pulsations.